什么是艺术学,什么是艺术学校

涉及面还是太大，艺术包括，音乐，绘画，表演等，也有现代艺术和古代艺术之分。而现代艺术中有名目繁多的派别，比如印象派、后印象派、表现主义等等。根据我自己熟悉的领域，现代绘画艺术史，来解析。

大概从19世纪60年代的印象派开始，一直到今天，一共是150年的艺术发展史。现代艺术史上的各种艺术运动和各种主义，比如印象派、前印象派、后印象派、原始主义、立体主义、未来主义、达达主义、超现实主义，一直到后现代主义，等等等等。现代艺术这150年来的发展历程。30多个艺术运动和流派，而且有的在各个国家的表现也很不同，涉及的艺术家就更多了，有上百位代表的艺术家，所以我会有选择性地大概梳理这一百多年来主要的艺术运动和艺术流派。

现代艺术的发展经历了几个重要阶段，第一个阶段就是现代艺术的产生，是从1860年代的印象派的叛逆开始的。在整个艺术史中，印象派画家是最激进、最反叛、最能突破障碍和开创新纪元的一群人。为什么这么说呢？我们来看看当时的时代背景。在19世纪的法国，学院派把守着艺术殿堂的大门，官僚又保守。他们制定艺术的规则，决定绘画的内容和风格，同时评判艺术家作品的好坏和经济价值。当时，被学院认可的画可以在艺术展上展出，收藏家和艺术经纪人也争相购买，艺术家因此就能建立起自己的事业。相反，不被学院认可的画则无法在艺术沙龙上展出，艺术家也因此断送了自己的艺术生涯。

当时对绘画、学院派有一套固有的标准，这套标准从文艺复兴时期一直延续下来。“学院期望艺术家们以神话、宗教形象、历史或者古典风俗习惯为基础，用一种把主题理想化的风格来创作他们的作品。”这样的画作我们在博物馆能看到很多，比如文艺复兴三杰：达·芬奇、拉斐尔和米开朗基罗创作的宗教题材的宫廷壁画。学院派判断一件艺术品是好是坏的标准基本上是：色彩是不是精细调和的，主题是不是经典的，线条、技法、人物塑造是不是符合当时理想化的表现，等等。

可以说，这套标准已经沿袭了几百年。到了19世纪，年轻画家对这些陈规感到厌倦，他们希望打破这套规则，他们想走出画室，到大自然中去，捕捉他们周围真实的现代的世界，这是一个叛逆、大胆的举动。传统艺术描绘的主题，是以宗教或者神话故事、历史典故为主的，很少有表现普通人的主题，但是印象派画家，他们更多的把真实的“人”作为画作的题材，更多的展现“人性”而不是传统艺术更青睐的“神性”，这是现代艺术一项伟大革新。

由于印象派走出画室，开始记录周围的生活和大自然，外界环境千变万化，风景和光线更是稍纵即逝，画家们无法仔细描绘，而是需要迅速记录，所以印象派的画作变得粗糙、模糊，这就是我们后来看到的印象派画作的主要特点。现代艺术从印象派开始，发生了根本性的变化。过去的绘画倡导精准，精准的制图术是当时最推崇的，画家把各种颜料调制在一起，非常精准地描绘在画布上，经过许多个小时，甚至许多天、数月、甚至数年的工作，精细地完成一幅画作，完美的、精细的、宏大的画作，这就是当时最推崇的“高贵风格”。相比而言，印象派是时间急迫的、粗加工的、草图一样的，涂抹在画布上的画法，在当时是完全反叛的做法。

后印象派的四个代表人物，他们在绘画风格上各有千秋，从而发展出了四条主要脉络，分别是：第一个，高更的原始主义；第二个，乔治·修拉的点彩派；第三个，梵高的表现主义；第四个，塞尚的立体主义。大家可以在脑子里延展出四条平行线，在这四条平行线上，分别又有很多艺术家和分支，比如高更的原始主义发展出野兽派，梵高的表现主义演化出抽象表现主义，从塞尚发展出来的立体主义，一直发展到未来主义、构成主义、波普艺术、贫穷艺术以及极简主义。

从二维的平面到立体主义，艺术家想要摆脱绘画写实的传统。而接下来的未来主义，则是立体主义的更进一步。20世纪初，欧洲想要告别上个世纪的疾病和城市肮脏的历史，世纪初的人们当时只有一个诉求：那就是辞旧迎新。当时在思想界和艺术界，人们同时希望挣脱历史的辉煌成就，包括罗马时期和文艺复兴时期的艺术成就，艺术家们不希望在过去的历史包袱或者成功的阴影下创作，他们希望在现代能有所创新。因此，反叛、突破传统就成为接下来一段时期的艺术运动的主要诉求，比如未来主义和达达主义。

之后的1950年代到70年代，艺术家们感受到了强烈的物质主义和消费主义对人的刺激和影响，他们用波普主义反映当时的时代，比如安迪·沃霍尔的《可口可乐》和《金宝汤罐头》。从1950年代开始，同时出现了观念主义以及各种各样的令人费解的行为艺术。这就引出了第二个问题：如何理解现当代这些看上去怪异的艺术？为什么他们可以被称为艺术，甚至在艺术史上占据重要的地位？艺术发展到今天，艺术作品似乎越来越难看懂了，很多艺术作品不再是传统的讲究技法、讲究色彩的画作，而是一个个具有象征意义的形象，让人摸不着头脑。

最后，我们来总结一下：现代艺术从1860年代的印象派开始，到今天这150年来的发展历程。这是一部艺术家不断打破传统，追求革新的历史，也是艺术家不断简化和去除的过程，从具象到抽象，从写实到观念的发展过程。 另外，对现代艺术作品来说，最重要的不再是作品本身，而是作品背后的理念和艺术家对艺术的探索和思考。

艺术来源于生活却高于生活，生活中我们处处需要艺术，那么经过的洗礼我们的生活才会更加丰富多彩，具有意义。

中国古代的仁人志士并没有将美学上升一种学科教育，但是不等于这些仁人志士没有美的言论，大教育家孔子曰，里仁为美。择不处仁，焉得智?我们大家都知道孔子的伦理道德是以“礼”为形式而“仁”为内容的。孔子的文艺观侧重实用性，文艺主要是是教化百姓的手段。因此这种里仁为美的观点能够运用到艺术家的创作上，它让艺术家内心充满仁爱之心，以仁为精神线索，以一颗充满“仁”的内心去观照世间万物，从而来用艺术作品教化民众。

但是在西方，艺术学成为一种学科性质的教育。

所谓艺术学通常意义上是指研究艺术整体的科学，即艺术学是指系统性的研究关于艺术的各种问题的科学。进一步讲，“艺术学是研究艺术性质、目的、作用任务和方法，它是带有理论性和学术性的成为有系统知识的人文科学。

从一定意义上讲，自然美、社会美等等现实美，是现实生活中的美，属于社会存在范畴，是第一性的；艺术美则是艺术家创造性劳动的产物，属于社会意识范畴，是第二性的。

艺术高于生活，并不是所有艺术都高于生活，好的艺术具有教育意义，他要求艺术家能有以一颗善良纯美得内心表现生活。这样才更有意义。